Nature morte aux fruits et à l'assiette de Delft – Attribué à Gillis van Hulsdonck

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Cette composition complexe et convaincante est peinte selon une perspective frontale. Dans la moitié inférieure figure une étagère ou une table en bois sur laquelle plusieurs éléments sont disposés avec habileté. À droite se trouve une assiette de Delft ; le traitement de son bord doré est d'une virtuosité absolue : la lumière frappe la tranche, révélant les ondulations du rebord sur lequel reposent deux pêches et deux poires peintes de main de maître. Ces motifs, qui répondaient aux goûts d'une clientèle cultivée et socialement distinguée, confèrent à l'œuvre une élégance raffinée. La lumière met en valeur les nuances variées de la peau des fruits ; l'opacité de leur surface et l'accent mis sur le volume contrastent, presque théâtralement, avec la transparence des raisins voisins. La texture de la peau est rendue grâce à une utilisation magistrale des rehauts, suggérant une translucidité proche du verre. Juste au-dessus de la grappe de raisin pend une vrille d'une grande finesse, dessinée avec élégance. En remontant vers la tige et le feuillage, on constate une fois de plus que l'artiste a su saisir avec brio les torsions et les motifs des feuilles. L'introduction de faisceaux lumineux venant de la gauche — un procédé propre au ténébrisme — frappe avec force les objets minutieusement dessinés, éclairant certaines zones des fruits et des feuilles par l'arrière pour créer différents plans. Une part de la beauté saisissante de ce tableau réside dans sa composition épurée, qui ne réunit qu'un nombre restreint d'éléments de nature morte. La peau de la figue est rendue avec un naturalisme si extraordinaire qu'on croirait pouvoir la cueillir sur la toile pour la manger. À cette époque, les fruits frais constituaient un luxe que l'on ne trouvait guère que sur les tables des plus aisés.

Gillis van Hulsdonck était un peintre flamand de natures mortes. Après s'être formé à Anvers, il a passé la majeure partie de sa carrière active à Amsterdam. Il est connu pour ses natures mortes de fruits et ses scènes de banquet. Hulsdonck est né à Anvers ; il était le fils de Jacob van Hulsdonck et de sa première épouse, Maria la Hoes. Son père était un peintre renommé, qui a joué un rôle dans les débuts du genre de la nature morte (fruits, banquets et fleurs) et a dirigé un atelier prospère à Anvers. Gillis a fait son apprentissage dans l'atelier de son père. Il est établi qu'après le décès de ce dernier au début de l'année 1647, deux tuteurs furent nommés le 12 février pour Gillis, alors âgé de 21 ans. Aucune trace n'atteste de l'adhésion de Gillis à la guilde de Saint-Luc d'Anvers. On suppose qu'il s'est installé à Amsterdam quelque temps après la mort de son père. C'est à Amsterdam qu'il épousa Magdalena Davidt, le 2 janvier 1655. Le couple eut six enfants. Il est probable qu'il soit retourné à Anvers avec sa famille vers 1670. Le 27 mars 1676, lui et son épouse (âgée de 43 ans) déclarèrent connaître un certain Jan Pedro de Herde et avoir vécu « en Hollande ». Il s'agit de la dernière mention connue concernant l'artiste. Le lieu et la date de sa mort restent inconnus ; il est probable qu'il soit décédé à Anvers, au plus tard en 1696. Van Hulsdonck est réputé pour ses natures mortes de fruits, ses scènes de banquet et ses *pronkstillevens* (natures mortes d'apparat). Seul un nombre limité d'œuvres signées, en tout ou en partie, de sa main sont connues. Des divergences subsistent au sein de la communauté des historiens de l'art quant à l'attribution de certaines œuvres. Il est possible que certaines de ses créations aient été attribuées à tort à son père, dont il a initialement perpétué le style. Ses œuvres tardives reflètent davantage l'école hollandaise de nature morte de son époque, et notamment le style de Willem Kalf. Toutefois, contrairement aux tableaux de Kalf, la touche de Van Hulsdonck est douce, conférant aux objets représentés un aspect presque velouté. Cette douceur des objets est également rehaussée par le traitement de la lumière et de l'ombre, caractérisé par des reflets onctueux et des ombres portées aux contours fondus. Cela confère à ses toiles une atmosphère intimiste.