Calvaire, sculpture en bois sculpté et polychrome, Guatemala, XVIIIe siècle

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Le Guatemala possède une grande tradition de sculpture religieuse. À l’époque coloniale, il était l’un des centres les plus réputés de cette discipline sur le continent américain, comparable à ceux de Lima et de Quito. Les sculptures produites dans le Royaume du Guatemala ont orné les églises et les demeures de la Mésoamérique : au Salvador, au Belize, au Honduras, au Nicaragua, au Costa Rica et au Chiapas.  
La renommée de la peinture à la détrempe guatémaltèque était telle qu’elle était réalisée à l’aide de colorants artisanaux, ce qui a permis à de nombreuses images de conserver leur couleur d’origine. La surface brillante du corps du Christ était polie à l’aide de gants en vessies d’animaux. Quant aux couleurs utilisées, on préférait les teintes roses et mauves aux teintes brunes ou pâles, comme on peut le constater sur le Calvaire que nous décrivons ici.  
Des cas ont été documentés où la figure sculptée était importée d’autres provinces de la Nouvelle-Espagne pour y appliquer l’estofado et l’incarnat au Guatemala. La plupart du temps, ces contrats étaient conclus verbalement et ne sont donc pas consignés par écrit, ce qui fait malheureusement prévaloir l’anonymat de ces sculptures.
La sculpture coloniale, fruit d’un univers artistique étroitement lié au christianisme, constitue l’un des héritages les plus marquants de la domination espagnole. Elle voit le jour au XVIe siècle, période marquée par la reproduction de gravures et d’estampes, qui servaient de modèles pour la réalisation des images.
La production sculpturale, tout comme d’autres formes d’expression artistique, était soumise et régie par «Les Ordonnances» et par des traités artistiques.
Aux XVIIe et XVIIIe siècles, les images gagnent en mouvement. Les postures adoptent une « forme convexe ». Les mains et le visage commencent à être sculptés séparément. Sur cette pièce, la dorure se limite uniquement au bord des tuniques de la Vierge Marie et de saint Jean.
La représentation de la Crucifixion du Christ se distingue par l’élégance et la beauté des personnages, ainsi que par la délicatesse avec laquelle l’artiste a rendu tous les détails. Comme c’est souvent le cas dans la plupart des calvaires médiévaux, la figure du Christ crucifié occupe le centre et domine la scène, le montant vertical de la croix servant d’axe central à la composition. Le Fils de Dieu est encore en vie, et il nous est présenté les yeux ouverts, dans une expression de supplication adressée au Père, pleine de sérénité. Sa silhouette, vêtue uniquement du perizonium ou linge de pureté, présente un corps languissant, légèrement courbé, et des couleurs claires, sans éclat. Solidement cloué sur la croix de bois, le Christ est représenté les bras bien tendus et les pieds cloués ensemble par deux clous, comme il est d’usage dans la peinture baroque du XVIIe siècle.
De part et d’autre de la croix, disposés de manière équilibrée selon l’axe de symétrie qu’elle définit, se trouvent les personnages principaux du récit évangélique qui pleurent et se lamentent sur sa mort. À la droite du Christ apparaît Marie, vêtue d’une tunique violette et d’un manteau bleu ciel à bordure dorée ; elle semble accablée par le chagrin, les doigts entrelacés en signe de prière, le regard tourné vers son fils. Le manteau présente des plis abondants et profonds, identiques chez tous les personnages.
À gauche, saint Jean l’Évangéliste, l’apôtre le plus jeune et le plus proche de Jésus. Comme à l’accoutumée, ce disciple est représenté sans barbe et avec des traits très jeunes, presque adolescents ; il lève sa main gauche vers le crucifix et incline sa main droite vers le sol, le visage également marqué par une grimace de douleur.  
Entre Marie et le disciple Jean, on trouve Marie-Madeleine, la femme qui fut pardonnée et rachetée par Jésus et qui devint l’une de ses disciples les plus fidèles, l’accompagnant jusqu’au Calvaire. Marie-Madeleine est représentée selon son iconographie la plus courante, la tête découverte, avec une longue chevelure lisse tombant sur ses épaules, et vêtue d’une robe de teinte grisâtre aux bords des manches verdâtres. Marie-Madeleine est le seul personnage du groupe à embrasser la croix, en signe de douleur, près des pieds crucifiés.
Cette œuvre illustre les qualités visuelles et émotionnelles qui font la renommée de la sculpture guatémaltèque, à savoir le raffinement de sa sculpture et les couleurs éclatantes de sa polychromie. Le Calvaire est, selon toute vraisemblance, l’œuvre de plusieurs artistes, chacun spécialisé dans un aspect différent de sa réalisation. Le ou les sculpteurs ont préparé le bois et sculpté les figures individuelles sans les peindre. L’œuvre a ensuite été confiée à des polychromateurs. La polychromie était réalisée – dans la plupart des cas – par différents artistes : ceux qui se spécialisaient dans la reproduction de la chair (incarnation) et ceux qui se consacraient à l’imitation des textiles (estofado).  
Le Calvaire guatémaltèque servait de pièce maîtresse à l’oratoire domestique d’un fonctionnaire ou d’un commerçant croyant, établi dans ce pays. La richesse matérielle de la sculpture était un signe de prestige et de distinction sociale. Son exposition témoignait non seulement de la dévotion du propriétaire, mais aussi de son goût pour l’acquisition de ce type d’œuvres qui n’étaient pas à la portée de tous.
Le Calvaire présente un défaut au niveau de la main droite de saint Jean. Retouches et restaurations récentes.