XVIIe siècle, Pietà
XVIIe siècle
Pietà
Alabaster, cm alt. 15
Avec base, cm 26 x 25
La sculpture en question s’insère dans le riche et séculaire courant iconographique de la Pietà, un sujet qui, au XVIIe siècle, c’est-à-dire au plus fort de l’époque baroque et de la contre-réforme, acquit une intensité émotionnelle renouvelée et eut un fort impact sur la dévotion populaire.
L’iconographie de la Vierge Marie qui soutient sur son ventre le corps sans vie de Jésus, déposé par la croix, a ses racines dans la sculpture dévotionnelle du nord de l’Europe. Ce sujet spécifique est connu sous le nom de Vesperbild (littéralement « image du Vésuve »), une typologie née en Allemagne au XIVe siècle, en particulier dans la région du Rhin. Les premières Vesperbilder étaient caractérisées par un intense et parfois cru pathétique, visant à susciter chez le fidèle une profonde pietas (compassion) à travers la représentation de la souffrance extrême de la mère et de l’enfant. Cette exigence d’une dévotion immédiate, viscérale et affective, propre à la sculpture gothique, trouva également un terrain fertile de continuité dans le baroque du XVIIe siècle, qui visait à émouvoir et à impliquer émotionnellement les fidèles selon les préceptes du concile de Trente. L’œuvre représentée ici, réalisée en albâtre qui confère une certaine luminosité et douceur typiques des formes les plus évoluées (comme les « Belle Pietà » tardif-gothiques), récupère la composition compacte et dense du modèle nordique. La figure de la Vierge est assise et le corps du Christ est abandonné en diagonale sur ses genoux, un format qui amplifie le sentiment de poids inerte et l’abandon à la douleur. Le développement de l’iconographie en Italie est indissolublement lié à la figure de Michelangelo Buonarroti qui, à la fin du XVe siècle, avait révolutionné le thème. Sa célèbre Pietà Vaticana (1498-1499) établit un canon de perfection formelle et d’idéalisation en plein esprit Renaissance : la Vierge est représentée jeune et le corps du Christ est d’une beauté plastique et composée, dépassant le drame gothique au profit d’une harmonie sublime.
Au XVIIe siècle, cependant, l’art baroque, tout en reconnaissant l’autorité formelle du chef-d’œuvre juvénile, s’est souvent éloigné de cet idéalisme serein. Les sculpteurs du XVIIe siècle cherchaient une tension dramatique plus forte et un rendu plus palpable du pathos. En ce sens, ils se rattachèrent idéalement non pas tant à la compote de la Pietà vaticane qu’au réalisme émotionnel brut inhérent à l’origine du Vesperbild, ou encore à la souffrance spirituelle et à la fusion des figures qui caractérisent les dernières. des œuvres inachevées de Michel-Ange comme la Pietà Rondanini.
Pietà
Alabaster, cm alt. 15
Avec base, cm 26 x 25
La sculpture en question s’insère dans le riche et séculaire courant iconographique de la Pietà, un sujet qui, au XVIIe siècle, c’est-à-dire au plus fort de l’époque baroque et de la contre-réforme, acquit une intensité émotionnelle renouvelée et eut un fort impact sur la dévotion populaire.
L’iconographie de la Vierge Marie qui soutient sur son ventre le corps sans vie de Jésus, déposé par la croix, a ses racines dans la sculpture dévotionnelle du nord de l’Europe. Ce sujet spécifique est connu sous le nom de Vesperbild (littéralement « image du Vésuve »), une typologie née en Allemagne au XIVe siècle, en particulier dans la région du Rhin. Les premières Vesperbilder étaient caractérisées par un intense et parfois cru pathétique, visant à susciter chez le fidèle une profonde pietas (compassion) à travers la représentation de la souffrance extrême de la mère et de l’enfant. Cette exigence d’une dévotion immédiate, viscérale et affective, propre à la sculpture gothique, trouva également un terrain fertile de continuité dans le baroque du XVIIe siècle, qui visait à émouvoir et à impliquer émotionnellement les fidèles selon les préceptes du concile de Trente. L’œuvre représentée ici, réalisée en albâtre qui confère une certaine luminosité et douceur typiques des formes les plus évoluées (comme les « Belle Pietà » tardif-gothiques), récupère la composition compacte et dense du modèle nordique. La figure de la Vierge est assise et le corps du Christ est abandonné en diagonale sur ses genoux, un format qui amplifie le sentiment de poids inerte et l’abandon à la douleur. Le développement de l’iconographie en Italie est indissolublement lié à la figure de Michelangelo Buonarroti qui, à la fin du XVe siècle, avait révolutionné le thème. Sa célèbre Pietà Vaticana (1498-1499) établit un canon de perfection formelle et d’idéalisation en plein esprit Renaissance : la Vierge est représentée jeune et le corps du Christ est d’une beauté plastique et composée, dépassant le drame gothique au profit d’une harmonie sublime.
Au XVIIe siècle, cependant, l’art baroque, tout en reconnaissant l’autorité formelle du chef-d’œuvre juvénile, s’est souvent éloigné de cet idéalisme serein. Les sculpteurs du XVIIe siècle cherchaient une tension dramatique plus forte et un rendu plus palpable du pathos. En ce sens, ils se rattachèrent idéalement non pas tant à la compote de la Pietà vaticane qu’au réalisme émotionnel brut inhérent à l’origine du Vesperbild, ou encore à la souffrance spirituelle et à la fusion des figures qui caractérisent les dernières. des œuvres inachevées de Michel-Ange comme la Pietà Rondanini.
2 400 €
Epoque : 17ème siècle
Style : Autre style
Etat : Bon état
Matière : Albâtre
Hauteur : 15
Référence (ID) : 1847449
Disponibilité : En stock
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