Grand Triptyque siennois du Trecento - Tempera sur fond d’or -entourage d’Ambrogio Lorenzetti

Exceptionnel triptyque portatif de dévotion privée datant du XIVe siècle,entourage d’Ambrogio Lorenzetti

Cet Important triptyque de dévotion italienne du Trecento, peint à la tempera à l’œuf sur panneaux de bois et enrichi d’un fond d’or finement poinçonné. La scène centrale représente la Vierge tenant l’Enfant Jésus dans une relation empreinte de douceur et d’humanité, encadrée par deux anges en adoration sur les volets latéraux. L’ensemble se distingue par sa forte présence spirituelle, la finesse de ses visages et une construction spatiale cohérente, caractéristiques de la grande tradition siennoise du XIVᵉ siècle.

Attribution stylistique
École siennoise du XIVᵉ siècle, œuvre réalisée dans l’entourage stylistique d’Ambrogio Lorenzetti, dans la tradition de Duccio di Buoninsegna.
Le modelé souple des carnations, l’inclinaison affective de la Vierge, la volumétrie de l’Enfant et l’individualisation des figures angéliques traduisent une proximité manifeste avec la sphère lorenzettienne.

elé souple des carnations, l’inclinaison affective de la Vierge, la volumétrie de l’Enfant et l’individualisation des figures angéliques traduisent une proximité manifeste avec la sphère lorenzettienne.

Le panneau central, surmonté d’un gâble ogival, montre la Vierge au regard introspectif tenant l’Enfant bénissant. Les auréoles finement poinçonnées, organisées en cercles concentriques, structurent l’espace et animent la surface dorée.
Les volets latéraux présentent deux anges aux ailes polychromes et aux gestes différenciés, renforçant la dimension narrative et solennelle de l’ensemble. La base architecturée, de type prédelle, confère au triptyque une présence quasi monumentale.

Technique et couleurs
Tempera à l’œuf sur bois, fond d’or bruni et poinçonné. Palette dominée par les bleus profonds du manteau marial, les rouges et ocres chauds des tuniques, rehaussés de bordures dorées finement travaillées.

État de conservation
Patine ancienne homogène. Usures et manques ponctuels sur les bordures et le fond d’or, conformes à l’âge de l’œuvre. Structure en bois ancienne avec assemblages et charnières visibles au revers.

Représentant la Madone à l’Enfant entourée d’anges adorateurs. Cette œuvre témoigne de l’art gothique italien à son apogée, période charnière entre la tradition byzantine et les innovations de la Proto-Renaissance toscane.

Monumental et d’une rare présence spirituelle, ce grand triptyque italien du XIVᵉ siècle constitue un remarquable témoignage de la peinture gothique italienne à l’aube du Trecento. Réalisé à la tempera à l’œuf sur panneaux de bois et sublimé par un somptueux fond d’or, il représente la Vierge à l’Enfant trônant au centre, flanquée de deux anges en attitude d’adoration, déployés sur les volets latéraux.

L’ensemble se distingue par la noblesse de sa composition, l’harmonie de ses proportions et la qualité d’exécution de ses visages, aux traits délicats et empreints d’une douce intériorité, caractéristiques des grands ateliers italiens de la fin du XIIIᵉ et du XIVᵉ siècle.

Le panneau central, surmonté d’un gâble trilobé, présente la Vierge Marie tenant l’Enfant Jésus dans une composition hiératique caractéristique de la période. La Madone, vêtue d’un manteau bleu azurite sur une robe rouge vermillon, porte une coiffe ornée d’un bandeau doré. Son visage, légèrement incliné avec tendresse, révèle les traits délicats propres à l’école siennoise ou florentine. L’Enfant, revêtu d’une tunique jaune d’or et rouge, adopte une posture de bénédiction, ses mains jointes exprimant à la fois l’humanité et la divinité.

Les volets latéraux, chacun couronné d’une pointe ogivale, accueillent deux anges en attitude d’adoration : à gauche, un ange en robe rose carminé les mains jointes en prière ; à droite, un ange en tunique bleu céleste aux ailes polychromes orange et or, dans un geste de vénération. Le fond d’or, finement poinçonné autour des auréoles, crée un jeu subtil de lumière qui anime la surface picturale et rappelle la fonction liturgique originelle de ce triptyque, destiné à un oratoire privé ou à une chapelle.

Les trois figures principales sont auréolées de nimbes dorés finement poinçonnés, technique typique de la peinture sur panneau du Trecento.

Détails graphiques et techniques picturales

L’œuvre est réalisée en tempera à l’œuf sur support de bois Fruitier (Cerisier ou Noyer) selon les méthodes traditionnelles de l’atelier médiéval. Le fond d’or, appliqué en feuilles puis poinçonné de motifs décoratifs circulaires et floraux, crée cette luminosité transcendante caractéristique de l’art sacré gothique.

Les carnations présentent le modelé subtil obtenu par superposition de glacis verdâtres (verdaccio) et de tons rosés. Les drapés révèlent un sens du volume naissant, avec des plis tubulaires traités en clair-obscur, annonçant l’évolution vers le naturalisme giottesque...

Palette chromatique utilisée :

Analyse des couleurs et techniques

La palette chromatique est typique de la tradition italienne médiévale :

• Bleu profond du manteau de la Vierge, probablement à base d’azurite ou d’un pigment proche, symbole de pureté et de royauté.
• Rouges et ocres chauds pour les tuniques, évoquant la vie, le sacrifice et la présence divine.
• Or bruni et poinçonné pour les fonds et les auréoles, conférant à la scène une dimension céleste et intemporelle.

La tempera à l’œuf, appliquée en fines couches, permet un rendu précis des carnations et des drapés, tout en offrant une remarquable conservation des couleurs malgré les siècles.

La représentation de la Vierge à l’Enfant entre deux anges est l’un des thèmes majeurs de la dévotion chrétienne médiévale. Elle s’inscrit dans la continuité des modèles byzantins, tout en intégrant progressivement une sensibilité occidentale marquée par plus d’humanité et de douceur dans les expressions.

Cette représentation s’inscrit dans la tradition de la *Maestà* (Majesté), formule iconographique développée par les maîtres siennois comme Duccio di Buoninsegna et Simone Martini. La présence des anges adorateurs renvoie au concept de la *Corte Celeste*, illustrant la Vierge comme Reine du Ciel entourée de sa cour angélique.

Ce type de triptyque était couramment utilisé comme retable pour une chapelle,  permettant aux fidèles de se recueillir dans un cadre privé. Il témoigne de la place centrale de la Vierge dans la spiritualité du Trecento italien.

Cette œuvre s’inscrit dans la grande tradition des écoles italiennes du XIVᵉ siècle, dans l’orbite de maîtres tels que Duccio di Buoninsegna, Simone Martini ou les premiers peintres florentins et siennois. On y retrouve l’équilibre entre hiératisme hérité de l’Orient chrétien et recherche de naturalisme naissant, préfigurant les avancées de la Renaissance.

Le XIVe siècle marque le passage du Duecento byzantinisant au Trecento proto-renaissant. Cette œuvre se situe dans cette transition, conservant l’hiératisme et le fond d’or de la tradition byzantine tout en intégrant une humanisation des figures et un sens naissant du volume, héritage de Giotto di Bondone et de l’école florentine.

École de peinture et attribution possible

Par son traitement des visages, la finesse des auréoles poinçonnées et l’élégance linéaire des drapés, ce triptyque peut être rapproché de l’école siennoise ou toscane du début du XIVᵉ siècle. Une attribution à un atelier actif dans l’entourage des maîtres du Trecento est envisageable, et notamment dans l’entourage stylistique d’Ambrogio Lorenzetti,  sans signature connue, comme il est d’usage pour les productions d’atelier de cette période.

Cette ’analyse stylistique suggère une attribution à un **atelier toscan actif entre 1330 et 1380**, probablement dans l’orbite des écoles de **Sienne** ou de FlorencePlusieurs éléments orientent vers cette attribution :

**Le traitement des visages** : ovales allongés, yeux en amande, nez fins, typiques de l’école siennoise
**La palette chromatique** : prédominance des bleus précieux et des roses raffinés, signature siennoise
**Le poinçonnage des nimbes** : technique particulièrement développée dans les ateliers de Sienne et Florence
**La structure architecturale** : caractéristique des triptyques portables toscans

Comparaisons avec des œuvres répertoriées

L’œuvre peut être rapprochée de :

- **Triptyques de Bernardo Daddi** (actif 1312-1348), suiveur de Giotto à Florence
- **Œuvres de l’atelier de Lippo Memmi** (actif 1317-1347), beau-frère de Simone Martini
- **Productions de Segna di Bonaventura** (actif 1298-1331) et son fils Niccolò di Segna
- **Triptyques portables du Maestro della Madonna Strauss**, anonyme siennois du milieu du XIVe

État de conservation et qualité d’exécution

L’œuvre présente une patine ancienne homogène, témoignant de son authenticité et de son âge. Les légères usures et manques ponctuels sur les bords et le fond d’or n’altèrent en rien la lisibilité de la scène, mais renforcent au contraire son caractère historique.

La qualité de la peinture, la finesse des traits et l’équilibre de la composition témoignent d’un niveau d’atelier élevé, destiné à une clientèle de rang notable.

Dimensions et forme

·       Hauteur : 90 cm

·       Largeur : 40 cm (fermé), 82 cm (ouvert)

·       Structure triptyque en bois, volets articulés, sommet ogival et base formant prédelle.

Expertise visuelle et professionnelle

Ce triptyque répond aux critères des œuvres muséales par :

·       La cohérence stylistique avec le Trecento italien

·       La technique de tempera et le fond d’or poinçonné

·       La construction architecturée de la structure

Expédition & Assurance

Le conditionnement est confié à MBE (Mail Boxes Etc.) – Narbonne, garantissant un emballage professionnel et sécurisé. L’expédition est assurée par UPS, FedEx ou GLS, avec suivi international.

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