Luca Giordano (1634 - 1705) - Le Sacrifice d’Isaac

Le tableau représente le moment culminant de l’épisode relaté dans la Genèse, lorsque l’ange intervient pour arrêter Abraham au moment où celui-ci s’apprête à sacrifier son fils Isaac. La scène s’organise selon une composition resserrée, d’une grande puissance théâtrale : l’ange fait irruption en diagonale depuis la gauche, Abraham constitue le centre monumental de la composition et tourne brusquement son regard vers l’apparition divine, tandis qu’Isaac, recroquevillé à droite, le corps presque entièrement dénudé, s’abandonne dans une attitude d’intense vulnérabilité. Dans la partie inférieure, la présence du bélier vient compléter le récit biblique.

Le rapprochement avec le Sacrifice d’Isaac de Luca Giordano conservé à la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, inv. 0262, huile sur toile, 137 × 206 cm, est particulièrement significatif. L’œuvre madrilène, déjà mentionnée dans le catalogue de l’Académie de 1824 sous le titre « El Sacrificio de Abraham, figuras del tamaño natural, pintado por Lucas Jordán », constitue le terme de comparaison le plus direct pour la présente toile.

Les deux œuvres partagent en effet une même conception de la scène : la grande diagonale dessinée par le corps de l’ange, le geste suspendu de la main qui interrompt le sacrifice, la position centrale d’Abraham tenant encore le couteau, la figure d’Isaac repliée sur elle-même à droite, ainsi que le puissant regroupement des personnages sur un fond rocheux et sombre. Il s’agit d’une construction dans laquelle Giordano concentre l’ensemble du récit autour de quelques protagonistes, éliminant tout élément accessoire et confiant au mouvement, aux regards et à la lumière toute la tension émotionnelle de l’épisode.

Dans le tableau qui nous occupe, on remarque tout particulièrement la monumentalité de la figure d’Abraham, la caractérisation vigoureuse de son visage marqué par l’âge et de sa longue barbe argentée, ainsi que le contraste entre les carnations lumineuses de l’ange et d’Isaac et les bruns profonds qui enveloppent le patriarche. La touche, libre et généreuse, ainsi que la construction des figures par de larges masses lumineuses, appartiennent pleinement au langage pictural de Giordano, dans lequel l’héritage du naturalisme napolitain s’allie à une liberté baroque croissante.

La relation extrêmement étroite avec l’exemplaire de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ainsi que les différences perceptibles dans certains passages de l’exécution picturale et dans les modulations de la lumière, permettent de situer la présente toile parmi les différentes élaborations par lesquelles Giordano revenait sur ses propres inventions, les reprenant et les variant selon une pratique largement documentée dans son œuvre particulièrement abondante.

L’œuvre est accompagnée d’une notice critique du professeur Nicola Spinosa.