Francesco Somaini (Lomazzo 1926 - Côme 2005), Descente du Saint-Esprit, 1969

Francesco Somaini (Lomazzo 1926 - Côme 2005)

Descente du Saint-Esprit, 1969

Croquis en bronze, cm 120

Signée en bas au centre

Modèle pour la façade de l’église de Santo Spirito à Bergame

Authentique de la Fondation Francesco Somaini sculpteur

Francesco Somaini (1926-2005) occupe une position de premier plan dans le panorama de la sculpture internationale du second siècle, se distinguant par une recherche plastique capable de conjuguer l’irruption de l’Informel avec une réflexion rigoureuse sur la monumentalité et sur le rapport entre corps sculptural et espace urbain. Formé à l’Académie de Brera sous la direction de Giacomo Manzù et diplômé en droit, l’artiste a mûri tôt un détachement du figurativisme traditionnel pour arriver à un langage où la matière est comprise comme lieu d’événement et de lacération existentielle.

Le cœur de la production de Somaini réside dans son incessant « corps à corps » avec les matériaux : du bronze au fer, du plomb jusqu’aux expérimentations sur marbres et pierres. Dans les années 1950, son adhésion aux exigences du Mouvement Nucléaire et de l’Informel se traduisit par une série d’œuvres - parmi lesquelles les célèbres Martyrs et Blessés - dont la forme semble être générée par une déflagration interne. Les surfaces sont tourmentées par des creux et des cavités qui évoquent le traumatisme collectif de l’après-guerre, transformant la sculpture en un témoignage tangible de souffrance et de force vitale. À partir des années 1960, l’artiste a introduit une innovation technique révolutionnaire : l’utilisation du jet de sable à forte pression pour la sculpture. Cette méthode lui permettait d’opérer par érosion, créant des contrastes plastiques entre la douceur du plan et la rugosité des recoins creusés, comme si la pierre était consommée par un agent naturel implacable. Dans cette phase, le thème de la métamorphose devient central : le corps organique fusionne avec des géométries quasi architecturales, prélude à la grande saison de maturité consacrée à la sculpture « urbaine ».

Dans les dernières décennies de son activité, Somaini a dépassé la conception de l’œuvre comme objet isolé pour embrasser une dimension environnementale. À travers les concepts de « Trace » et d' « Anamorphose », il théorisa une sculpture capable de dialoguer organiquement avec l’architecture et le tissu urbain. Ses œuvres monumentales, présentes dans des métropoles comme Milan, Bergame et New York, ne se limitent pas à occuper un espace, mais entendent le redéfinir, en agissant comme des empreintes historiques qui interrogent le paysage environnant. Aujourd’hui, la fortune critique de Somaini est scellée par la présence de ses œuvres dans les institutions muséales les plus prestigieuses du monde, du MoMA de New York au Centre Pompidou de Paris.

L’œuvre présentée constitue un élément important de la production monumentale de Francesco Somaini : il s’agit du modèle pour la façade de l’église du Saint-Esprit à Bergame, commandé à l’artiste dans la seconde moitié des années 1960 et inauguré en 1972. Avec ces croquis, l’artiste a remporté le concours public pour la décoration de l’église, important lieu sacré bergamasque qui abrite des œuvres du Lotto, du Bergognone et du Previtali.

Ce modèle documente la genèse inventive de l’auteur, qui réalisa quelques croquis préparatoires ; l’un d’eux fut offert à Jean-Paul II, qui dans sa jeunesse séjourna précisément dans ladite église. Somaini aurait ensuite été nommé par le même Pontife Académique Ordinaire de l’Insigne Pontificale Académie des Beaux-Arts et des Lettres des Virtuoses au Panthéon.

La sculpture traduit le thème de la Pentecôte en représentant une colombe qui descend en tapage, laissant un « sillon » plastique qui débouche sur une explosion d’ailes expansées. L’œuvre a été conçue pour faire pendant au retable du Bergognone de 1508, également dédié à la descente du Saint-Esprit. Somaini transforme ici le métal en un événement énergétique où la lumière réelle, reflétée dans la fente centrale, devient métaphore du divin et « trace » visible de l’invisible. La composition fonde ainsi une solide base architecturale avec le dynamisme du symbole chrétien, instaurant un dialogue serré entre art ancien et contemporain.