Vierge à l’Enfant en Majesté – Tempera sur panneau à fond d’or – Italie centrale 14-15è Siècle

Importante tempera sur panneau de bois, exécutée sur fond d’or fin poinçonné, représentant la Vierge à l’Enfant, figurée à mi-corps, selon une iconographie solennelle et hiératique héritée de la tradition byzantine, largement diffusée en Italie à la fin du Moyen Âge.

De qualité Muséale, Cette Œuvre est comparable aux Vierges italiennes à fond d’or conservées au Musée du Louvre, à la Galleria degli Uffizi, à la National Gallery de Londres et au Metropolitan Museum of Art de New York.


L’œuvre se distingue par ses dimensions remarquables pour une peinture de dévotion privée ou semi-liturgique, ainsi que par la qualité d’exécution du dessin, la maîtrise des carnations et la richesse décorative du fond.

La Vierge est représentée de face, légèrement inclinée, portant l’Enfant Jésus sur son bras gauche.
Son visage, long et délicatement modelé, exprime une douceur mélancolique, typique des Vierges dites “Glykophilousa” (Vierge de tendresse), tout en conservant une majesté solennelle.

L’Enfant, vêtu d’un chiton rouge vermillon, adopte un geste de bénédiction de la main droite, tandis que la gauche tient un objet sphérique (probablement un globus cruciger stylisé ou symbole cosmique), rappelant son rôle de Salvator Mundi.

Cette iconographie, issue du monde byzantin, fut largement adoptée et transformée par les écoles italiennes des XIIIᵉ à XVᵉ siècles, notamment en Toscane, en Ombrie et dans les Marches.

• Composition frontale et pyramidale, centrée sur le dialogue silencieux entre la Mère et l’Enfant

• Fond d’or intégral, symbole de la lumière divine et de l’éternité

• Auréoles finement poinçonnées, révélant un travail soigné de l’atelier

• Drapés amples, structurés par des incisions graphiques dans la matière picturale

La bordure du panneau conserve une présentation d’origine, avec des traces d’usure et de patine cohérentes avec l’ancienneté de l’œuvre.

• Technique : tempera à l’œuf sur panneau préparé au gesso

• Fond : feuille d’or appliquée sur bol d’argile rouge

• Palette :

  • Rouge profond et chaud pour le manteau de la Vierge (symbolique de la Passion)

  • Vert doux et ocre clair pour la tunique

  • Rouge vermillon pour l’Enfant

  • Carnations traitées par superpositions de tons rosés et ocres

• Rehauts linéaires et incisions caractéristiques du travail médiéval

L’ensemble présente une patine ancienne homogène, sans repeints visibles majeurs.
La palette pigmentaire, fondée sur le blanc de plomb, les ocres, la terre verte, le vermillon et la dorure à la feuille sur bol rouge, ainsi que le format important du panneau, confirment une production italienne de la fin du XIVᵉ siècle destinée à une commande de qualité. L’œuvre se situe aujourd’hui dans le segment haut du marché des Madonne à fond d’or médiévales.

Cette œuvre s’inscrit clairement dans la tradition de la peinture italo-byzantine tardive, avec des influences visibles :

• École toscane primitive (entourage de Cimabue, Coppo di Marcovaldo, Maestro della Maddalena)

• Ou Italie centrale (Ombrie / Marches), fin XIVᵉ – début XVᵉ siècle

• Transition stylistique entre rigidité byzantine et adoucissement gothique

Attribution possible à un atelier régional italien, formé à la tradition byzantine, actif entre vers 1380 et 1420.

Le poinçonnage du fond d’or, exécuté à la main à l’aide de poinçons circulaires simples, présente une hiérarchie décorative entre nimbes, champ doré et périphérie, conforme aux usages des ateliers d’Italie centrale à la fin du XIVᵉ siècle. Ce traitement, comparable à celui observé sur des panneaux conservés dans les grandes collections muséales européennes, constitue un indicateur chronologique et stylistique majeur de l’authenticité et de la qualité de l’œuvre.

Les Vierges à fond d’or constituent l’un des piliers de la peinture médiévale occidentale.
Elles témoignent de :

• La transmission de l’iconographie orientale vers l’Occident

• L’émergence d’une sensibilité plus humaine et émotionnelle

• Le rôle fondamental de l’image dans la dévotion privée et communautaire

Ce type d’œuvre était destiné à un oratoire, une chapelle ou une demeure aristocratique.

• Usures anciennes cohérentes avec l’âge

• Légères pertes de matière sur les bords

• Panneau ancien, stable, d’épaisseur importante (2,4 cm)

• Aucun élément moderne visible

• Hauteur : 54,5 cm

• Largeur : 39 cm

• Épaisseur : 2,4 cm

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