Ancienne huile sur cuivre. École Italienne Bolonaise, 1620–1640

Cette impressionnante peinture dévotionnelle italienne du XVIIe siècle, réalisée vers 1620–1650, représente une scène intense et bouleversante de la Passion du Christ : La Flagellation du Christ attaché à la colonne. L’œuvre, exécutée avec maîtrise sur une plaque de cuivre polie, suit les canons de l’école italienne septentrionale avec des affinités bolonaises et des échos vénitiens tardifs maniéristes, dans la lignée des Carrache et de Palma le Jeune. Le modelé anatomique, l’équilibre de la composition et l’architecture classique en arrière-plan confirment son origine dans un milieu artistique profondément influencé par la Réforme catholique et la production de petits tableaux dévotionnels destinés au recueillement privé.

La scène montre le Christ ligoté à une colonne centrale, partiellement couvert d’un drap blanc ondulant légèrement. Trois bourreaux l’entourent, le frappant avec une violence contenue. À gauche, un homme en tunique rouge fléchit la jambe dans un geste dynamique, tandis que celui du centre, en veste verte, lève une verge en direction du visage du Christ. Le troisième, vu de dos et enveloppé d’un manteau vert, accentue la tension par un geste musclé. La lumière émanant du nimbe du Christ guide le regard et contraste avec les ombres profondes de l’architecture en arrière-plan. Ce clair-obscur dramatique, combiné à une lumière focalisée, crée une scène qui, malgré la violence, dégage une grande dignité et une intensité spirituelle.

La Flagellation du Christ est l’un des épisodes les plus émouvants et les plus représentés de la Passion selon les Évangiles. Elle relate le moment où Jésus, après avoir été condamné par Ponce Pilate, est flagellé par les soldats romains avant la Crucifixion. Peu détaillée dans les textes bibliques, cette scène fut interprétée au fil des siècles avec une intensité émotionnelle mêlant souffrance physique et exaltation spirituelle. Du roman au baroque, la représentation a évolué d’une image symbolique à des compositions théâtrales à fort impact visuel.

Dans le contexte de la Contre-Réforme, cette iconographie a pris une importance particulière en Italie et dans les Pays-Bas catholiques comme support de méditation et de dévotion. L’huile sur cuivre devint l’un des formats les plus prisés entre 1600 et 1650 pour sa capacité à représenter les détails les plus fins avec un effet brillant et intime. Des artistes comme Rubens, Cigoli et Guido Reni en ont donné des versions célèbres. Ce tableau, d’une grande retenue expressive et d’une exécution raffinée, s’inscrit dans cette tradition spirituelle, reflet de la sensibilité religieuse d’une époque marquée par l’introspection.

Le support de cuivre exalte la finesse du trait et l’éclat des pigments, notamment dans les carnations et les drapés colorés. Les couches fines d’huile et l’usage subtil de glacis produisent une finition émaillée caractéristique de ces œuvres de cabinet. Son format vertical et ses dimensions modestes suggèrent qu’il fut conçu pour une collection privée à vocation religieuse.

Le cadre qui accompagne la peinture est une œuvre historiciste en bois doré, richement sculpté de rinceaux végétaux et d’acanthes, datant de la fin du XIXe siècle. Il conserve sa dorure d’origine avec de légers usures qui ajoutent du caractère sans nuire à sa beauté. Cet ensemble équilibré et sobre conserve toute sa puissance dévotionnelle et peut parfaitement être réintroduit dans un usage liturgique ou exposé dans une paroisse.

Une opportunité exceptionnelle pour les collectionneurs de peinture ancienne et pour ceux qui recherchent la profondeur spirituelle de l’iconographie de la Passion et la finesse de l’huile sur cuivre.

Dimensions: 21 × 15 cm (8.27 × 5.91 in). Avec cadre : 30.5 × 24 cm (12 × 9.45 in).

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