TABLEAU ANCIEN : LOT ET SES FILLES (FIN DU XVIIE – DÉBUT DU XVIIIE SIÈCLE)

Ce tableau ancien, datant de la fin du XVIIe ou du début du XVIIIe siècle, illustre l'épisode biblique de « Lot et ses filles » (Genèse 19, 30-38). Après la destruction de Sodome et Gomorrhe, Lot et ses deux filles se réfugient dans une grotte en montagne. Croyant être les derniers survivants sur Terre et craignant l'extinction de leur lignée, les filles décident d'enivrer leur père pour l'endormir et s'unir à lui. L'œuvre représente cet épisode : la fille située à gauche, représentée semi-nue, est assise sur les genoux de Lot. D'une main, elle s'appuie sur l'épaule de son père, tandis que de l'autre elle tient une coupe remplie de vin, adoptant une attitude manifestement séductrice. Au centre, Lot est dépeint comme un homme âgé et barbu, apparaissant déjà visiblement altéré par l'alcool ; son regard est perdu, et il se laisse aller à l'étreinte de sa fille. La fille de droite est représentée debout, légèrement penchée en avant ; elle tient dans sa main gauche une grande cruche, prête à verser davantage de vin. De l'autre main, elle esquisse un geste près de son visage, suggérant une forme de complicité, de secret ou d'entente avec sa sœur. Les trois personnages s'inscrivent dans une composition pyramidale dynamique, dont l'axe central est occupé par la silhouette monumentale de Lot. Un contraste chromatique marqué oppose les tons chauds de la carnation des personnages aux couleurs froides des étoffes — notamment le manteau bleu intense qui enveloppe les jambes de Lot et le drapé rouge sur lequel est assise la première fille. Les drapés sont riches, lourds et forment des plis profonds, caractéristiques du style baroque. L'arrière-plan est sombre et rocheux, évoquant l'obscurité d'une grotte. Ce choix fait ressortir avec force les figures au premier plan, grâce à une lumière directionnelle et théâtrale — inspirée du caravagisme, mais adoucie dans une veine classicisante — qui sculpte l'anatomie des corps et fait briller le métal de la coupe et de la cruche. L'œuvre est présentée dans un cadre mouluré en bois doré, dont la contemporanéité avec le tableau n'est toutefois pas certaine. La toile reprend des modèles de composition très célèbres et en vogue à la fin du XVIIe siècle. Une composition quasi analogue se retrouve dans les œuvres du peintre véronais Alessandro Turchi, dit « l'Orbetto », et de son entourage ; le thème a également été traité de manière similaire par l'école émilienne (suiveurs de Guido Reni) et par l'école florentine du XVIIe siècle (notamment par Felice Ficherelli). Comme on peut le constater sur les photographies, le tableau est conservé sur sa toile d'origine.

ÉPOQUE : Fin du XVIIe – début du XVIIIe siècle

DIMENSIONS : L. 83,5 cm x H. 70 cm ; dimensions de la toile : L. 80 cm x H. 64,5 cm

ÉTAT : Excellent état de conservation