OBJET VENDU
Ancienne Pietà Coloniale Vers 1800 Huile Sur Cuivre école Mexicaine Ou Péruvienne
Œuvre d'une exquise sensibilité religieuse, cette Pietà vice-royale, réalisée à l'huile sur plaque de cuivre entre environ 1780 et 1820, se distingue non seulement par sa qualité technique mais aussi par sa profonde charge spirituelle et symbolique. La Vierge Marie y tient tendrement le corps inerte du Christ après la Crucifixion, représentant une scène de douleur contenue et d'espérance rédemptrice. Le choix du cuivre comme support n'est pas anodin, utilisé pour sa surface lisse, sa durabilité et sa capacité à refléter la lumière, il fut largement cultivé dans les cercles artistiques de la vice-royauté de Nouvelle-Espagne et du Pérou, où se rencontrèrent tradition européenne et spiritualité américaine. Ce type de support permettait d'atteindre une intensité chromatique et un niveau de détail exceptionnels, clairement visibles dans cette pièce.
La représentation de la Pietà, où la Vierge Marie soutient le corps du Christ après la Crucifixion, est l'un des thèmes les plus émouvants et représentatifs de l'art chrétien. Née en Europe au Moyen Âge, elle trouva un terrain fertile pour sa réinterprétation en Amérique vice-royale. Avec une dévotion profondément enracinée parmi les fidèles, cette image fut reproduite en peintures, sculptures et gravures, particulièrement cultivée dans les couvents et ateliers de la Nouvelle-Espagne et du Pérou.
L'iconographie de la Passion est précise et profondément méditative. Le Christ est représenté après sa descente de la croix, tandis que la Vierge, couverte d'un voile vert foncé et d'une tunique pourpre, lève son regard avec une expression de recueillement et de compassion. La lumière irradie depuis l'arrière-plan sous la forme d'une mandorle dorée, réminiscence de l'art baroque tardif réinterprété par les ateliers dévotionnels du Nouveau Monde, apportant un fort dramatisme visuel à la scène.
La technique de l'huile sur cuivre connut une diffusion importante dans ces territoires, favorisée par la disponibilité du minerai et sa capacité à permettre une finition brillante et durable. La peinture vice-royale sur cuivre se distingua par son souci du détail, l'éclat de ses couleurs et son usage dans des formats portables destinés tant au culte public que privé. Les versions coloniales de la Pietà montrent souvent une intensité émotionnelle accrue et une gestuelle plus marquée, en accord avec la spiritualité baroque et la sensibilité populaire de l'époque. Par son style, l'œuvre pourrait être légèrement rattachée à la Nouvelle-Espagne (Mexique), bien qu'une origine péruvienne ne puisse être écartée sans une analyse pigmentaire ou historique complémentaire.
Dans la partie inférieure sont discrètement inclus la couronne d'épines et les clous de la crucifixion, éléments agissant comme emblèmes de dévotion, caractéristiques de l'art vice-royal américain et rares dans les compositions européennes. Ces symboles renforcent le caractère contemplatif de l'œuvre, invitant le spectateur à une expérience spirituelle profonde. La composition, centrée, équilibrée et symboliquement puissante, est empreinte d'une émotion sereine et d'une remarquable maîtrise dans le traitement des visages.
Ces œuvres fonctionnaient non seulement comme objets esthétiques, mais aussi comme supports de méditation, destinés à favoriser le recueillement intérieur et l'empathie avec la souffrance du Christ et de Sa Mère. Aujourd'hui, le collectionnisme et l'étude de l'art vice-royal connaissent un essor important, et des pièces comme celle-ci sont très prisées tant sur le marché de l'art que par les institutions culturelles. Leur rareté, leur symbolisme et leur qualité technique en font de précieux témoignages de la religiosité et de l'art colonial américain.
Le cadre en bois doré conserve sa patine d'origine avec de légères marques du temps, qui ne font qu'accentuer son authenticité. La peinture est en bon état général, avec quelques oxydations mineures propres à son ancienneté, qui n'altèrent ni sa lecture ni son impact visuel.
Œuvre de grande valeur esthétique et spirituelle, idéale pour être réintroduite dans l'Église, utilisée dans une paroisse ou intégrée dans une collection d'art vice-royal ou de dévotion. Sa présence apporte solennité, histoire et un profond écho de foi.
Une pièce singulière, alliant beauté technique et ferveur religieuse, parfaite pour les amateurs d'art colonial.
Dimensions : 28 x 22 cm (11 x 8,66 in).
Peinture visible : 21,5 x 16 cm (8,46 x 6,3 in).
La représentation de la Pietà, où la Vierge Marie soutient le corps du Christ après la Crucifixion, est l'un des thèmes les plus émouvants et représentatifs de l'art chrétien. Née en Europe au Moyen Âge, elle trouva un terrain fertile pour sa réinterprétation en Amérique vice-royale. Avec une dévotion profondément enracinée parmi les fidèles, cette image fut reproduite en peintures, sculptures et gravures, particulièrement cultivée dans les couvents et ateliers de la Nouvelle-Espagne et du Pérou.
L'iconographie de la Passion est précise et profondément méditative. Le Christ est représenté après sa descente de la croix, tandis que la Vierge, couverte d'un voile vert foncé et d'une tunique pourpre, lève son regard avec une expression de recueillement et de compassion. La lumière irradie depuis l'arrière-plan sous la forme d'une mandorle dorée, réminiscence de l'art baroque tardif réinterprété par les ateliers dévotionnels du Nouveau Monde, apportant un fort dramatisme visuel à la scène.
La technique de l'huile sur cuivre connut une diffusion importante dans ces territoires, favorisée par la disponibilité du minerai et sa capacité à permettre une finition brillante et durable. La peinture vice-royale sur cuivre se distingua par son souci du détail, l'éclat de ses couleurs et son usage dans des formats portables destinés tant au culte public que privé. Les versions coloniales de la Pietà montrent souvent une intensité émotionnelle accrue et une gestuelle plus marquée, en accord avec la spiritualité baroque et la sensibilité populaire de l'époque. Par son style, l'œuvre pourrait être légèrement rattachée à la Nouvelle-Espagne (Mexique), bien qu'une origine péruvienne ne puisse être écartée sans une analyse pigmentaire ou historique complémentaire.
Dans la partie inférieure sont discrètement inclus la couronne d'épines et les clous de la crucifixion, éléments agissant comme emblèmes de dévotion, caractéristiques de l'art vice-royal américain et rares dans les compositions européennes. Ces symboles renforcent le caractère contemplatif de l'œuvre, invitant le spectateur à une expérience spirituelle profonde. La composition, centrée, équilibrée et symboliquement puissante, est empreinte d'une émotion sereine et d'une remarquable maîtrise dans le traitement des visages.
Ces œuvres fonctionnaient non seulement comme objets esthétiques, mais aussi comme supports de méditation, destinés à favoriser le recueillement intérieur et l'empathie avec la souffrance du Christ et de Sa Mère. Aujourd'hui, le collectionnisme et l'étude de l'art vice-royal connaissent un essor important, et des pièces comme celle-ci sont très prisées tant sur le marché de l'art que par les institutions culturelles. Leur rareté, leur symbolisme et leur qualité technique en font de précieux témoignages de la religiosité et de l'art colonial américain.
Le cadre en bois doré conserve sa patine d'origine avec de légères marques du temps, qui ne font qu'accentuer son authenticité. La peinture est en bon état général, avec quelques oxydations mineures propres à son ancienneté, qui n'altèrent ni sa lecture ni son impact visuel.
Œuvre de grande valeur esthétique et spirituelle, idéale pour être réintroduite dans l'Église, utilisée dans une paroisse ou intégrée dans une collection d'art vice-royal ou de dévotion. Sa présence apporte solennité, histoire et un profond écho de foi.
Une pièce singulière, alliant beauté technique et ferveur religieuse, parfaite pour les amateurs d'art colonial.
Dimensions : 28 x 22 cm (11 x 8,66 in).
Peinture visible : 21,5 x 16 cm (8,46 x 6,3 in).
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